Georges Luc

Georges Luc


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

George Luks est né en 1867. Après avoir voyagé en Europe, il retourne aux États-Unis en 1894 et devient illustrateur sur La presse de Philadelphie.

En 1896, Luks s'installe à New York où il se lie d'amitié avec Robert Henri et John Sloan. Il a ensuite été associé à ce que Art Young a décrit comme l'école Ash Can. Henri, qui a enseigné à la New York School of Art, était le leader du groupe et a fait valoir que l'art devrait être « une force sociale qui crée un émoi dans le monde ». Henri a également exhorté les artistes à utiliser la « matière riche fournie par la vie urbaine moderne ».

Lorsque l'Académie nationale en 1907 n'a pas reconnu l'importance de Robert Henri et de ses disciples, il a monté sa propre exposition sous le titre, The Eight. Henri argumentait : « Les partis révolutionnaires qui rompent avec les vieilles institutions, les organisations mortes sont toujours dirigés par des hommes avec une vision d'ordre, avec des hommes qui se rendent compte qu'il doit y avoir un équilibre dans la vie, tant de ce qui est bon pour chaque homme , tant pour tester les nerfs de son âme, tant pour stimuler sa joie."

En 1913, les idées d'Henri ont inspiré l'Exposition internationale d'art moderne (l'Armory Show) qui s'est tenue à New York. Les œuvres de Luks figuraient dans l'exposition. Tenue au 69th Regiment Armory, l'exposition comprenait plus de 1 300 œuvres, dont 430 d'Europe. L'exposition, qui s'est tenue du 17 février au 15 mars, a reçu environ 250 000 visiteurs.

Comme Robert Henri et John Sloan, Luks s'identifiait aux classes les plus pauvres et le sujet de ses peintures reflétait souvent ses tentatives de refléter les problèmes contemporains. Son tableau le plus connu est Les lutteurs. Luks a continué à enseigner à la Ligue des étudiants en arts

George Luks, qui était un gros buveur, a été retrouvé mort dans l'embrasure d'une porte en octobre 1933, après avoir été impliqué dans une bagarre ivre.

Il parlait des tableaux que nous avions apportés pendant trois ou quatre heures et, en parlant de ces tableaux, il les critiquait non pas du point de vue d'une norme d'excellence préétablie, mais par rapport à ses propres idées. Il parlait de ses propres intérêts pendant qu'il parlait de la peinture et au passage, puisqu'il avait plus d'expérience, une expérience plus approfondie de la culture en général que l'équipe de jeunes qui étaient là, ses discussions étaient des affaires très éducatives.

C'est le désordre dans l'esprit de l'homme qui produit un chaos du genre de celui qui provoque une guerre comme celle dont nous sommes aujourd'hui submergés. c'est le fait de ne pas voir les différentes phases de la vie dans leur relation ultime qui provoque le militarisme, l'esclavage, le désir d'une nation d'en conquérir une autre, la volonté de détruire à des fins égoïstes et inhumaines.

Les partis révolutionnaires qui rompent avec les vieilles institutions, les organisations mortes sont toujours dirigés par des hommes avec une vision d'ordre, avec des hommes qui se rendent compte qu'il doit y avoir un équilibre dans la vie, tant de ce qui est bon pour chacun, tant à tester les nerfs de son âme, tant pour stimuler sa joie.


George Luks - Histoire

Note de l'éditeur : L'essai de catalogue suivant avec les textes associés a été réimprimé dans Resource Library le 24 novembre 2008 avec la permission de l'auteur et du Canton Museum of Art. Si vous avez des questions ou des commentaires concernant le texte, veuillez contacter directement le Canton Museum of Art : au 1001 Market Avenue North, Canton, Ohio 44702 ou via ce numéro de téléphone ou cette adresse Web :

George Luks : les aquarelles redécouvertes

G eorge Luks, l'enfant terrible de la peinture américaine, serait ravi de sa réputation de chroniqueur du côté le plus grave de la vie américaine. Ses images de mendiantes et de gamins des rues du plus haut de ses jours "Ash Can" au tournant du vingtième siècle sont des déclarations sociales et culturelles en plus d'être des œuvres d'art importantes. Ces peintures, que ses contemporains trouvaient choquantes et crues, sont aux yeux des modernes de puissants témoignages de la vie quotidienne. L'admiration pour son style de peinture brusque et son talent de dessinateur sûr ont encore renforcé la réputation de Luks en tant que figure importante de la peinture américaine. Son importance pour le mouvement réaliste a été clairement documentée à travers des livres, des catalogues et des expositions consacrés au sujet, et sa place dans l'histoire de l'art américain est bien établie.

Cette reconnaissance a été acquise principalement sur l'ensemble des travaux que Luks a exécutés à l'huile - le médium pour lequel il est le plus connu. Mais il était aussi un aquarelliste dévoué, c'était le premier médium dans lequel il travaillait et qu'il continua à utiliser jusqu'à ses dernières années. Certains ont estimé que ces aquarelles reflétaient un côté moins sérieux de l'artiste. Souvent, ils sont considérés comme des croquis réalisés en tant qu'étape préliminaire à ses huiles et donc d'importance secondaire. Cependant, cela est contraire à la manière immédiate et spontanée dont Luks a travaillé, et dans aucun des deux médiums il n'a préparé consciemment des croquis préliminaires.

Cette exposition démontre que Luks considérait ses aquarelles comme des œuvres finies et que leurs techniques et leurs sujets sont cohérents et parallèles à ses œuvres sur toile. Il révélera également que le lien commun entre les deux médias, et en fait le fil conducteur de toute la production diversifiée de Luks, est la poursuite du réalisme de l'artiste.

La peinture à l'aquarelle est un médium ancien qui remonte à la préhistoire. Cependant, ce n'est qu'au XIXe siècle que l'aquarelle commence à aspirer à la stature de l'huile dans la hiérarchie des médiums artistiques. La peinture à l'aquarelle a commencé à prospérer au XVIIIe siècle en Angleterre. Au siècle suivant, J. M. W. Turner développa un style direct d'application de l'aquarelle sur papier qui différait de la méthode plus courante consistant à utiliser l'aquarelle comme deuxième étape pour ajouter de l'intérêt aux dessins au trait au crayon ou à l'encre. Turner est l'un des rares artistes à travers l'histoire à travailler à la fois à l'huile et à l'aquarelle au même niveau, et a inspiré des générations d'artistes à venir, dont de nombreux Américains.

Luks a commencé sa carrière artistique en travaillant comme illustrateur à la Philadelphia Press, où les artistes étaient nécessaires pour enregistrer des événements d'actualité avant que la photographie puisse être appliquée à moindre coût à cette fin. C'est là, de 1892 à 1895 environ, qu'il a rencontré d'autres artistes William Glackens, Everett Shinn et John Sloan, qui, avec Robert Henri, formeront le noyau de "The Eight" plus d'une décennie plus tard à New York. Déjà humaniste grâce à son éducation dans les communautés ethniques de Williamsport, Shenandoah et Pottsville, en Pennsylvanie, où son père était à la fois médecin de campagne et pharmacien, Luks était un observateur passionné de la condition humaine avec de la sympathie pour les opprimés.[1] Son le travail sur la presse a fourni une exposition supplémentaire à l'étude de la condition humaine, se concentrant souvent, comme les événements d'actualité sont susceptibles de le faire, sur des événements tragiques.

Luks était prodigieux avec le crayon et le papier depuis son enfance et avait développé une coordination œil-main rapide parfaitement adaptée à l'enregistrement d'événements au moment où ils se déroulaient. [2] Il ne manquait jamais d'un carnet de croquis qu'il remplissait de dessins d'hommes au travail, d'enfants jouant, de vieillards sur des bancs et de tout ce qui attirait son œil curieux. Ces esquisses étaient souvent exécutées au crayon ou au crayon de couleur, puis transférées à la plume et à l'encre avec lavis en vue de l'impression, bien qu'il se vantait du fait que ses dessins "de rue" avaient rarement besoin d'être retravaillés une fois rendus. Les coups de crayon étaient contrôlés et sûrs tout en étant énergiques et rapides. Faisant preuve d'une capacité unique, la précision et la confiance de Luks se sont facilement traduites par le succès dans le médium aquarelle où les erreurs et les réexamens ne sont pas aussi facilement couverts qu'ils pourraient l'être dans les huiles.

Quelques aquarelles et illustrations originales survivent de la première mission à l'étranger de Luks lorsqu'il fut envoyé à Cuba en 1895 pour couvrir la rébellion. faisant la plupart de ses dessins après des récits oraux entendus dans le refuge d'un saloon plutôt que d'observations de terrain plus risquées mais plus précises.

À son retour aux États-Unis en 1896, Luks s'installe à New York, avec les autres membres de son groupe de Philadelphie. Une fois là-bas, il a été embauché pour dessiner une bande dessinée pour le New York World à l'imitation d'une autre bande, le "Yellow Kid", créé par Richard Outcault pour un journal rival, le Monde. Le héros était un gamin des rues précoce qui parcourait Hogan's Alley, un quartier du centre-ville, en chemise de nuit jaune. Luks a écrit le scénario et dessiné le dessin à l'encre et aux lavis colorés.

À ce moment-là, Luks subvenait à ses besoins grâce à son travail dans les journaux, même si ce n'était pas à temps plein. Robert Henri, qui avait été le leader du groupe à Philadelphie, était entre autres à New York pour encourager Luks à se mettre à la peinture à l'huile. Bien que Luks n'ait jamais étudié avec Henri, qui était un professeur charismatique reconnu, il était l'un des premiers Philadelphia Five à suivre de plus près la méthodologie d'Henri tout au long de sa propre carrière artistique. C'était en partie parce que les deux hommes partageaient à la fois un tempérament passionné et un intérêt pour l'humanité. Henri a appris à ses élèves à « travailler à grande vitesse. Ayez vos énergies alertes, actives et actives. Terminez aussi vite que vous le pouvez. En une minute si vous le pouvez. » [4] Il a en outre conseillé aux artistes de peindre des sujets contemporains près de chez eux plutôt que de rechercher des thèmes exotiques ou nobles comme c'était la préférence des académies traditionnelles. Ce sont deux leçons que Luks avait déjà apprises de son travail dans le journal, comme il l'a lui-même noté : " travailler dans un journal donne à un artiste une expérience illimitée, lui apprend la vie, le fait sortir."

Peut-être le plus grand aquarelliste américain connu, Winslow Homer (1836 - 1921) a également commencé comme illustrateur. De trente ans l'aîné de Luks, Homer était, comme Luks, sans formation formelle en art et a développé son style réaliste grâce à l'observation attentive de la vie. Homer a commencé à travailler sérieusement dans l'aquarelle au milieu de la trentaine et s'est installé dans le Maine où il a relaté le mode de vie rude des pêcheurs et de leurs familles. Il a développé une approche directe avec le médium, en utilisant des lavis sur lesquels il a pu construire plus de détails. Parce que Luks était « notoirement appréciatif de lui-même », comme l'a décrit un critique anonyme dans Town and Country (1923), il est impossible de dire si le travail d'autres artistes, comme Homer, a pu ou non influencer son style. Cependant, des comparaisons peuvent être faites à la fois dans la technique et le sujet choisis par Homer et Luks. Bien que chacun ait présenté des scènes d'existence humaine qui contenaient un grand potentiel de sentimentalité, tous deux ont évité cet écueil.

Les premiers exemples de Luks en tant qu'aquarelliste incluent Soda Water Man (p. n° 20) et Ice Wagon (p. n° 17) qui sont des sujets classiques de l'école "Ash Can". Ils sont rendus dans la palette sombre utilisée par l'artiste au cours de sa première décennie à New York, lorsqu'il peignait les travailleurs pauvres du Lower East Side de Manhattan. Les personnages et les bâtiments émergent de lavis de brun et de noir/gris avec seulement des touches de couleur pour atténuer l'obscurité globale. Dans Soda Water Man , la porte jaune vif à l'extrême gauche crée un bassin de lumière accueillant pour le livreur et le carton vert vif qu'il porte - le seul autre point de couleur de la pièce.

Également de cette période est le Déjeuner à un bras humoristique (p. n° 23) qui montre une femme âgée coiffée d'un chapeau à plumes comique, tenant un plateau de nourriture dans une main et une valise et un pardessus dans l'autre. Plutôt que d'être pathétique, le personnage de Luks dégage une détermination admirable et féroce, preuve de la bonne nature de l'artiste et de son intérêt pour les meilleures qualités de la nature humaine.

Des travaux ultérieurs montrent que Luks a continué à s'intéresser à ce sujet tout au long de sa vie artistique. La Clinique (p. n° 18) et Old Man (p. n° 22) ont été exécutés dans la salle d'attente de l'infirmerie de son frère Will, le Northern Dispensary, un bâtiment triangulaire coincé au coin de Waverly Place et Grove Street à Greenwich Village. [5] Le frère de Luks et sa famille vivaient au troisième étage du Dispensaire et George restait souvent avec eux quand il passait une soirée tardive en ville. Le portrait du vieil homme aurait été exécuté avec des pigments fabriqués à partir de médicaments à portée de main à la clinique, mélangés à de l'eau et posés sur du papier avec des cotons-tiges. C'est la preuve de la spontanéité, de l'ingéniosité et de la volonté innée de l'artiste de rendre les images. (En effet, Luks a affirmé un jour qu'il pouvait peindre avec un cordon de chaussure trempé dans du poix et du saindoux.) Le portrait qui en résulte est extrêmement expressif, les traits du vieil homme montrant à la fois l'ennui de son attente et l'inquiétude suscitée par la maladie.

Luks a renoncé à l'illustration dans les journaux car sa réputation de peintre générait plus de ventes et donc plus de soutien financier. Sa participation à la célèbre exposition "The Eight" à la MacBeth Gallery en 1908 a été suivie d'une exposition personnelle dans la même galerie en 1910. Ne voulant pas entrer en conflit avec son exposition personnelle, Luks a choisi de ne pas participer à la première exposition indépendante. Spectacle organisé par John Sloan et d'autres la même année. Il participe cependant à l'Armory Show en 1913 malgré son premier one-man show avec C. W. Kraushaar, son nouveau dealer, qui s'ouvre sur ses talons.

L'Armory Show, comme l'exposition internationale d'art moderne était surnommée, était censé montrer des styles d'art « progressifs » à ce que les organisateurs considéraient comme un public d'art américain conservateur. Destiné à placer les artistes américains dans un contexte international, il les a plutôt fait éclipser par les réalisations audacieuses de leurs homologues européens, en particulier celles des post-impressionnistes, des fauves et des cubistes. Les critiques ont noté que l'art américain ne serait plus jamais le même, et en effet il semblait qu'il ne le serait pas. Le travail au pinceau pointilliste des post-impressionnistes combiné à la couleur rehaussée des fauves ont exercé une influence particulière sur Luks et d'autres. Les œuvres de Georges Seurat, Paul Signac, Henri Matisse et André Derain, ont explosé avec une liberté de conception et d'exécution qui a donné aux "Rebelles de la 8e Rue" un air conservateur.

À peu près au même moment, Luks a déménagé avec sa seconde épouse, Emma Louise Noble, [6] d'un appartement à Greenwich Village à une grande maison/studio à High Bridge Park. Situé au coin de Gamble Place et Edgecombe Road, il avait été construit comme un studio et une résidence combinés. Le studio de 23 x 16 pieds avait de grandes fenêtres orientées vers le nord et une vue sur High Bridge Park. James Huneker, un écrivain et critique contemporain qui avait surnommé les artistes des Huit « dévots du laid », a noté qu'avec la plénitude des modèles agréables, « les bébés, les chèvres, les infirmières-filles, les flâneurs du parc, les policiers, les piétons paresseux, les garçons bruyants, de jolies petites filles avec des cerceaux, " Luks devenait un "plein-[air] artiste." [7]

Tout au long de sa carrière, Luks a laissé le sujet le guider dans la technique. C'est-à-dire que les femmes mendiantes étaient convenablement dessinées avec de larges coups de pinceau et des couleurs sombres tandis que les nounous et leurs pupilles étaient rendues avec de courts coups de pinceau pointillistes et des couleurs vives. De plus, bien que Luks n'ait jamais nommé un maître autre que Franz Hals, dont il a rencontré le travail lors de ses premiers voyages en Europe, il était sensible à l'influence et aux suggestions de nombreux artistes autour de lui. Parfois peu sûr de son propre talent, un danger souvent rencontré par ceux qui sont dotés d'une facilité et d'une flexibilité naturelles, Luks travaillait et retravaillait des pièces après avoir demandé l'avis d'un visiteur. Dans le même ordre d'idées, il adopterait un style d'artiste aussi inconsciemment que certains adoptent un accent lorsqu'ils entendent des dialectes lointains.

Avec les images d'Henri Matisse, de Vincent van Gogh et d'autres fraîches dans son esprit et le sujet de la classe moyenne à loisir étant devenu son quotidien, le coup de pinceau de Luks est devenu plus saccadé et sa palette s'est éclaircie. Dans de nombreuses aquarelles des Teens, les aquarelles aux couleurs vives et aux motifs en mosaïque des parcs et des promenades de la ville peintes par Maurice Prendergast semblent influencer Luks. Prendergast, qui était également membre de The Eight, mais pas un partisan de l'école Ash Can, a très tôt absorbé les techniques des modernistes européens et était un aquarelliste prolifique. La qualité plate et décorative de ses pièces reflétait le cercle symboliste français des Nabis tandis que la couleur et le coup de pinceau se rapportaient aux fauves et aux post-impressionnistes. De tous les artistes avec lesquels Luks s'est associé, Prendergast était le plus sérieusement impliqué dans l'aquarelle.

L'influence de Prendergast sur Luks, et celle des Européens, est particulièrement visible dans River Boats (p. n° 27). Le sujet, une promenade le dimanche après-midi le long de la rivière, et la technique, de courtes touches de couleur vive qui laissent transparaître le blanc du papier, le révèlent. Tout comme Prendergast, Luks a d'abord esquissé la composition au crayon, notant rapidement ses impressions générales. Une fois qu'il a appliqué les aquarelles, Luks n'a pas suivi complètement ses contours au crayon. Une technique de pinceau staccato plus exagérée est apparente dans High Bridge Park (p. n° 24). Ici, l'utilisation dominante du jaune et du vert crée des formes plates et décoratives similaires au travail des Nabis, dont le style reconnaissait la bidimensionnalité de la surface de la peinture et rejetait les tentatives illusoires de simuler la tridimensionnalité du monde réel. Les figures sont généralisées et figées en contraste avec le brossage excité de la pelouse et du feuillage qui tourbillonne autour d'eux.

Playing Soldiers (p. n° 25) et Gossip (p. n° 26) sont deux images où Luks est en train d'expérimenter avec des pastels, qui enrichissent la texture et travaillent pour saturer la couleur de l'eau. Il n'a exposé les pastels qu'une seule fois dans sa vie, lors d'une exposition à la galerie Kraushaar en 1916. Dans Playing Soldiers, le brillant lavis bleu à l'aquarelle crée une ambiance générale intense, tandis que les pastels sont utilisés pour définir l'image. Gossip montre l'intérêt continu de Luks pour l'humour et l'anecdote.

Luks avait commencé à exposer au New York Water Color Club Annual en 1913 et a continué à le faire jusqu'en 1917. En 1916, il a remporté le Hudnut Award décerné par le Club for On the Marne (où l'on ne sait pas). Ce fut le premier prix qu'il reçut dans n'importe quel support, un signal important de la stature de ses aquarelles. En 1917, il a été honoré d'une exposition personnelle au Newark Museum et ses huiles ont continué à remporter des prix, notamment la médaille d'or du Temple de la Pennsylvania Academy of Fine Arts pour Houston Street.

En 1919, Luks est allé pêcher dans la province de la Nouvelle-Écosse, dans l'est du Canada. Il a peut-être été invité par un autre membre de The Eight, Ernest Lawson, qui est connu pour avoir été là en même temps. Le style impressionniste de Lawson a peut-être même eu une influence sur Luks. Quoi qu'il en soit, Luks a laissé libre cours à son style aquarelle dans les ruisseaux et les forêts de la Nouvelle-Écosse et a produit une œuvre remarquable qu'il a exposée avec un grand succès critique au Kraushaar's l'année suivante. Un critique a noté qu'il y avait encore des « surprises dans la manche [de l'artiste] » [8] et il ne faut pas penser que son meilleur travail était derrière lui dans ses peintures Ash Can plus connues. Certaines de ces aquarelles ont ensuite été transformées en huiles, mais il ne fait aucun doute que les œuvres sur papier sont des pièces finies plutôt que des esquisses préparatoires.

Fisherman and Boulders (p. no. 37) est une pièce dramatique dont la majeure partie de la composition est occupée par un magnifique rocher coloré en bleu, rouge et noir. L'homme opposé à la nature est observé dans la petite silhouette d'un pêcheur perché sur le remblai rocheux à gauche. De grandes arabesques d'eau tourbillonnent autour des rochers du Screecher, lac Rossignol, Nouvelle-Écosse (p. n° 32). Exécuté avec des coups de pinceau puissamment confiants dans toutes les nuances de bleu et de vert et accentués de rouge ou de violet, l'eau domine de nombreuses scènes de la Nouvelle-Écosse. Luks aimait l'idée d'être une personnalité robuste, ayant aimé le plein air depuis son enfance dans la Pennsylvanie rurale.

John Marin (1870 - 1953) était un peintre et aquarelliste du XXe siècle qui, bien que légèrement plus jeune, était le contemporain de Luks et membre du cercle Stieglitz. Certains des peintres de ce groupe - Marin, Arthur Dove, Marsden Hartley et d'autres - étaient des partisans de l'abstraction plutôt que du réalisme et étaient donc parfois considérés comme un camp opposé à Luks et à son entourage. Les scènes nautiques de Marin du Maine et de Long Island Sound étaient très stylisées dans l'esthétique moderniste mais toujours évocatrices des images et des sons de l'eau. Dans ses images de la Nouvelle-Écosse, Luks s'est rapproché le plus de la marque d'abstraction de Marin en permettant à des formes et des motifs stylisés et géométriques d'entrer dans ses compositions. Une autre similitude avec le travail de Marin est de laisser apparaître le blanc du papier, plutôt que de laver la feuille entière avec de la couleur. Les coups de pinceau étaient posés distinctement sans se toucher, interdisant ainsi aux couleurs de dégorger. La superposition a été réalisée en laissant sécher la première couleur avant d'en ajouter une autre sur le dessus, créant des zones opaques de couleur dense.

Charles Burchfield (1893 - 1967) était un autre aquarelliste dont les évocations de la nature se situaient entre l'abstraction symboliste et le réalisme. La puissance du pinceau de Burchfield est similaire à celle de Luks et les deux étaient des coloristes experts.

En 1925, Luks est retourné dans sa maison d'enfance de Pottsville, en Pennsylvanie, pour documenter les mineurs de charbon et leur environnement. Il a créé un studio au cours de l'été de cette année-là et a été traité comme une célébrité de retour. Bien que Luks ait produit de nombreuses œuvres dans d'autres médias lors de sa visite à Pottsville, y compris une peinture murale sur l'histoire de l'anthracite commandée pour l'hôtel Necho Allen (Allen a découvert le potentiel de l'anthracite comme combustible), ses aquarelles constituent à nouveau un important corpus de travail.

Pour Luks à cette époque, les mineurs et leurs familles ont fourni la même inspiration que les mendiantes et les vendeurs de rue avaient presque deux décennies plus tôt dans les rues de New York. De nouveau, il aborde ses sujets sans pitié ni sentimentalité et en ressort des images puissantes et terre-à-terre. Ses parents avaient aidé les mineurs et étaient sympathiques à leur combat pour de meilleures conditions de travail. Luks, maintenant dans la mi-cinquantaine, a dû ressentir un retour sincère en revisitant les personnes pour lesquelles ses parents avaient risqué leur vie. La ville n'avait probablement pas beaucoup changé au cours des trente années impaires de séparation. Les broyeurs de charbon, les bancs de chaume et les maisons de fonction dominaient encore le paysage autrement rural.

Fille des Mines (p. 39) montre une femme dans sa cuisine affalée sur une chaise avec une main sur le bol de nourriture qu'elle était en train de préparer. Son regard fatigué et somnambule rencontre celui du spectateur et nous nous retrouvons à partager l'immense fardeau de la vie quotidienne de cette femme. Ici, Luks est revenu à sa technique d'aquarelle plus ancienne et plus traditionnelle consistant à appliquer des lavis sombres et à faire ressortir l'image en appliquant des couleurs plus claires sur le dessus.

D'autres images ont un sens spirituel, en particulier Village of St. Clair (p. no. 40) où la croix en or montée au sommet du clocher de l'église se détache comme un phare sur le riche bleu foncé, noir et gris du paysage. Comme les structures de Burchfield, l'église de Luks est imprégnée d'un personnage presque humain car elle regarde vers le petit cottage et les personnages sur la gauche. La lumière du soleil inonde cette petite demeure et les figures féminines de la mère, de la fille et du petit-enfant qui évoquent le cercle sans fin des âges de l'homme. Au loin se profile la forme sombre d'un brise-charbon qui contrôle leur vie mortelle.

Des scènes de Pottsville démontrent l'habileté de Luks en tant que coloriste et révèlent à nouveau l'influence fauviste. La couleur est ressentie plutôt qu'observée dans les maisons délabrées des Miners' Shacks, Pottsville (p. no. 42). Leurs formes se perchent en chancelant le long de la colline que Luks a animée de coups de pinceau ondulants. Ce ne sont pas des maisons sûres et stables mais plutôt des abris temporaires, reflétant l'existence précaire de leurs occupants, dont les formes sombres ne sont qu'accessoires à la composition de Luks. Les maisons de gauche sont dans l'ombre tandis que celles de droite sont prises dans un rayon de soleil rendant leurs bords rouges et jaunes.

Le dernier chapitre, et le plus prolifique, de la carrière d'aquarelliste de Luks s'est déroulé dans les collines de New York, juste à l'ouest des Berkshires, près de la ville d'Old Chatham. Luks y a acheté une ferme à la fin des années 1920 ainsi que vingt-six acres de terrain. Ici, comme dans les peintures de la Nouvelle-Écosse, ses pouvoirs de coloriste et de dessinateur sont clairement apparents.

My House, Berkshire Hills (p. n° 52), dont le titre montre le penchant exclusif de Luks pour sa retraite d'été, est une pièce brillante. La maison blanche est entourée de rouge, jaune et bleu pour la distinguer de la couleur vibrante des champs et des montagnes environnantes. La couleur expressionniste et les coups de pinceau post-impressionnistes sont de fortes évocations de l'habileté soutenue de Luks avec le médium. La signature rouge dramatique, une couleur souvent utilisée par Luks lorsqu'il signait ses pièces, impressionne davantage la présence de l'artiste dans l'œuvre. Un grand sentiment de plaisir se dégage de la pièce, tout comme de Luks lui-même, qui se décrit lui-même comme un amoureux de la vie. La bascule verte sur le porche latéral de la maison était probablement très utilisée. Comme l'a noté un critique, "Ce sont des notes tranquilles et lumineuses d'un réaliste de bonne humeur qui a repris plaisir à peindre des paysages." [9]

The Old Gristmill, The Berkshires (p. no. 46) et Railroad Crossing, The Berkshires (p. no. 47) sont d'autres exemples de cette période montrant la vie dans l'Amérique rurale comme tranquille et saine.

La Femme aux champs (p. n° 48), comme le village antérieur de St. Clair, a une subtile qualité spirituelle. La figure courbée d'une femme âgée sert à relier les zones terrestres et célestes de la pièce qui sont clairement divisées le long de la ligne d'horizon par couleur. Le champ est une émeute de mauve, rouge, bleu, vert et jaune tandis que le ciel, également multicolore, est rendu dans des tons contrastés de bleu, vert et violet. L'église à gauche de la composition surplombe la montée de la colline et enfonce son clocher dans le ciel tandis que la figure semble être prise entre les deux plans de la terre et du ciel.

Luks n'a pas pu s'empêcher de peindre les habitants de cette communauté du haut de l'État de New York, dont beaucoup étaient des individualistes robustes avec des personnages aussi flamboyants que le sien. Mme Gamely avait 110 ans lorsque Luks a peint son portrait à l'huile et elle a peut-être aussi été le modèle de Femme et Turquie (p. n° 45). Cette scène de cuisine intérieure montre une femme déterminée, assise, les pieds fermement plantés dans un effort pour se préparer à la formidable corvée de plumer l'oiseau. C'est une pièce simple et humoristique, qui rappelle les scènes de genre de Franz Hals.

Luks exposait activement ses aquarelles à la fin des années 1920 et au début des années 30. En 1926, année où il remporte pour la deuxième fois la médaille Logan du Chicago Art Institute, il expose au International Watercolour Show de la même institution. En 1929, 1931 et 1932, il expose à l'exposition annuelle d'aquarelles de l'Académie des beaux-arts de Pennsylvanie.

Luks est mort aussi violemment qu'il avait vécu. Le 29 octobre 1933, il a été retrouvé par un patrouilleur dans l'aube grise d'un matin new-yorkais, affalé sur le seuil d'un pub de la Sixième Avenue. Les journaux ont parlé d'une crise cardiaque subie lors d'une promenade matinale, mais la vérité était qu'il est décédé des suites de blessures subies lors d'une bagarre.

Malgré l'ampleur de son activité d'aquarelliste, cet aspect du travail de l'artiste est souvent négligé. Il n'y avait aucune mention des aquarelles dans la monographie d'Elisabeth Cary sur l'artiste, publiée par le Whitney Museum of American Art en 1930. La thèse de Ralph Clayes Talcott, Les Aquarelles de George Luks, écrite pour la Pennsylvania State University en 1970, fut la première évaluation du travail de Luks dans ce médium.

Un signe de l'importance de Luks dans l'aquarelle est son inclusion, avec quatre autres grands artistes américains et exposants du médium, John Singer Sargent, Winslow Homer, John Marin et Charles Burchfield, dans une exposition de groupe à la Marie Sterner Gallery en 1922. L'exposition a traversé les lignes stylistiques pour se concentrer sur le médium comme thème fédérateur. Les artistes semblent avoir été choisis pour représenter leurs générations : Homer était mort douze ans plus tôt, Sargent était dans la cinquantaine, Luks dans la quarantaine, Marin dans la quarantaine et le jeune Burchfield seulement dans la vingtaine.

Un an après la mort de Luks, la Vose Gallery de Boston a organisé une exposition de ses aquarelles. En 1942, Luks a été représenté dans l'exposition du Whitney Museum, History of American Watercolour Painting. Mais il y a plus de cas où son nom est exclu qu'inclus dans les discussions sur la peinture à l'aquarelle. Il est important que ce corpus d'œuvres à l'aquarelle soit désormais reconnu et qu'une autre facette d'un important artiste américain soit pleinement révélée.

Judith Hansen O'Toole Août 1994

NOTES 1. Pour une discussion concise de la peinture à l'aquarelle américaine, voir Larry Curry, Eight American Masters of Watercolour , Los Angeles County Museum of Art et Frederick A. Praeger, 1968. Voir aussi Donelson F. Hoopes, American Watercolour Painting , Watson-Guptill Publications, New York, 1977 et Theodore E. Stebbins, Jr., American Master Drawings and Watercolours: A History of Works on Paper from Colonial Times to the Present , Harper & Row, New York, 1976. 2. La mère et le père de Luks a aidé les Molly Maquires, une organisation clandestine irlandaise qui s'efforce d'améliorer les conditions de travail et de vie des mineurs de charbon. Le cheval blanc et le buggy du Dr Luks l'identifieraient comme un ami afin que les Mollies ne l'attaquent pas lors de ses visites à domicile nocturnes. Stanley Cuba, "George Luks (1866 - 1933)," George Luks: An American Artist , Sordoni Art Gallery, Wilkes University, 1987. 3. Lorsque la famille vivait à Vineland, New Jersey, Luks travaillait comme commis dans une pharmacie locale. Lorsque le propriétaire était sorti, le jeune George a enregistré les clients en dessinant rapidement leurs portraits sur du papier d'emballage afin que le propriétaire sache qui était entré. 4. Luks a écrit à Everett Shinn que « la moitié de mes croquis ont été pris par des fonctionnaires. Par conséquent . . . Je dois les faire sortir clandestinement afin d'assurer leur arrivée en toute sécurité." 6, non. 2, avril 1966, p. 9. Au total, trente illustrations de Luks ont été publiées dans le Philadelphia Evening Bulletin entre le 15 janvier et le 28 mars 1896. Il a fallu dix à quinze jours pour que les dessins arrivent à Philadelphie depuis La Havane. Cuba, op. cit. Une aquarelle existante est La Havane, Cuba , 1896 dans la collection du Brooklyn Museum. 5. Robert Henri, The Art Spirit, Philadelphie, J.B. Lippincott Company, 1923, p. 26. 6. George's older brother Will married George's fiance, Anabelle Delanoy, after meeting her while on summer vacation in New York from medical studies at Johns Hopkins University in Baltimore. The marriage forced Will to leave medical school and he instead took a position at the Dispensary where in 1905 he became superintendent, a post he kept until his retirement in 1939. Despite this, George continued a strong relationship with his brother and sister-in-law and treated their children as his own. George married on the rebound but left his wife, Lois, in 1902 when she was pregnant with their son. Kent Crane was George's only child but did not have contact with his father. 7. Luks married Emma Louise Noble around 1905. They were divorced sometime in the mid-1920s. Luks married again around 1927. His third wife, Mercedes Carbonnel, was much younger than Luks and they had a stormy relationship. They were separated in 1930 but Mercedes returned to Luks just before his death in 1933. 8. James Huneker, Bedouins , New York, Charles Scribner's Sons, 1920, p. 107. 9. Unattributed review, New York Evening Post , October 23, 1923. 10. Unattributed review of an exhibition at the Rehn Gallery, Art News , December 1957, p. 11.

Since 1993, Judith Hansen O'Toole has been director/CEO of the Westmoreland Museum of American Art in Greensburg, Pennsylvania, where her expertise in nineteenth-and twentieth-century American art is reflected in the museum's collections and exhibitions. She was director of the Sordoni Art Gallery and an associate professor at Wilkes University in Wilkes-Barre, Pennsylvania, from 1982 - 1993. She has organized exhibitions on artists and artist groups including the early twentieth century artists George Luks and Carl Sprinchorn, American still-life painting, the Ash Can School and the Hudson River School. She is widely consulted as the authority on works by Severin Roesen and Luks.

To read other articles and essays reprinted in Resource Library that are written by Judith Hansen O'Toole, please click here.

Resource Library editor's note

The above text was reprinted in Resource Library on November 24, 2008, with permission of the author and the Canton Museum of Art, which was granted to TFAO on April 8, 2008. Ms. O'Toole's catalogue essay pertains to a special exhibition, George Luks: Expressionist Master of Color - The Watercolors Rediscovered , that was on view at the Canton Museum of Art, Canton, Ohio (November 25, 1994 - January 29, 1995), the Westmoreland Museum of American Art, Greensburg, Pennsylvania (February 11, 1995 - April 9, 1995) and the Columbus Museum of Art, Columbus, Ohio (May 7, 1995 - June 18, 1995). The exhibition's catalogue is titled "George Luks: Expressionist Master of Color: the Watercolors Rediscovered." Published by Canton Museum of Art, 1994. ISBN 0964407108, 9780964407107. 64 pages

An adaptation of this text was also published in the June - July 1995 issue of American Art Review .

Resource Library wishes to extend appreciation to Robb Hyde of Canton Museum of Art and Shana Herb Johannessen for their help concerning permissions for reprinting the above text.

Resource Library readers may also enjoy:

Links to sources of information outside of our web site are provided only as referrals for your further consideration. Please use due diligence in judging the quality of information contained in these and all other web sites. Information from linked sources may be inaccurate or out of date. Traditional Fine Arts Organization, Inc. (TFAO) neither recommends or endorses these referenced organizations. Although TFAO includes links to other web sites, it takes no responsibility for the content or information contained on those other sites, nor exerts any editorial or other control over them. For more information on evaluating web pages see TFAO's General Resources section in Online Resources for Collectors and Students of Art History .

Read more articles and essays concerning this institutional source by visiting the sub-index page for the Canton Museum of Art in Resource Library

Search Resource Library for thousands of articles and essays on American art.

Copyright 2008 Traditional Fine Arts Organization, Inc. , an Arizona nonprofit corporation. Tous les droits sont réservés.


Houston Street


Remarques:
The main source for this provenance is a letter to G. Gordon Hertslet from Newhouse Galleries dated June 15, 1970 [SLAM document files]. Exceptions and other supporting documents are noted.

[1] Dr. Thomas L. Bennett was listed as the lender of this painting to a 1923 exhibition ["Retrospective Exhibition of Paintings by George Luks." New York, NY: C. W. Kraushaar Art Galleries, January 8-27, 1923, cat. non. 5]. Dr. Bennett is believed to be the original owner of the painting, based on a September 24, 1927 letter from George Luks referenced in correspondence from Newhouse Galleries. It seems that Newhouse Galleries acquired the painting from Dr. Bennett, as Newhouse Galleries correspondence goes on to state that the letter from Luks was given to Mr. Platt when he purchased the painting [SLAM document files].

[2] A 1931 article describes the inclusion of this work in an exhibition of the collection of Newhouse Gallery [Osburn, Maurine. "Newhouse Collection Now on Exhibit at Highland Park," "Dallas Morning News," 1 February 1931]. Additionally, a 1934 article includes an illustration of the painting courtesy of Newhouse Galleries, and Erich-Newhouse Incorporated is listed as the lender in a 1934 exhibition [Benson, E. M. "The American Scene," The American Magazine of Art (XXV:2) 1934, p. 55 "The Work of George Benjamin Luks." Newark, NJ: The Newark Museum, October 30, 1934 - January 6, 1935, cat. non. 34]. The 1970 letter from Newhouse Galleries to Mr. Hertslet clearly states that the painting was sold by Newhouse Galleries to C. H. Platt in 1936 [SLAM document files].

[3] Both the Museum's accession record and a completed appraisal form indicate that the Hertslets purchased the painting from Newhouse Galleries in 1953 [SLAM document files].

[4] Minutes of the Acquisitions Committee of the Board of Trustees, Saint Louis Art Museum, July 20, 1972.


George Benjamin Luks

George Luks was born in Williamsport, Pa., on Aug. 13, 1867. About 1884 he entered the Pennsylvania Academy of Fine Arts but soon made his way to Europe, where he remained for several years. His chronology and many details of his life remain obscure because of the extravagant claims he made about exploits which seem to have been wholly fictitious. At Düsseldorf he acquired a taste for somber colors. He may have worked in London and Paris as well. He admired Rembrandt and Frans Hals.

On his return to Philadelphia in the early 1890s, Luks supported himself precariously by all kinds of commercial jobs—by painting signs, circus and band wagons, campaign portraits, and houses and floors. Frequent references to activities as a professional prizefighter (under a variety of picturesque names) do not seem to be founded on fact. Like Glackens, Sloan, and Shinn, he was employed as a newspaper artist, and he was sent by the Bulletin to cover the Spanish-American War in 1895. His illustrations were lively and exciting but apparently largely imaginary, as was the story that he had been captured, sentenced to death, and deported. He returned, penniless, to New York, where he was employed by the World. He was one of the earliest comic strip artists and continued R. F. Outcault's "The Yellow Kid," created in 1895, when Outcault moved to another paper. For 15 years most of his work was in black and white it was only in 1898 that Luks started painting. He was married three times.

Luks was fascinated with the characters and environment of the Lower East Side and consciously attempted to portray these with the explicitness and vitality of Hals. Beggars, drunks, actors, street urchins, prizefighters, the whole range of urban activity, are presented with sharp observation and gusto. Street scenes and landscapes are rarer subjects.

The rejection of one of Luks's paintings from the 1907 exhibition of the National Academy of Design was one of the causes for the formation and exhibition of "The Eight" in 1908. Luks's work in this show had a kind of raw strength and even brutality which offended academic patrons and critics but brought him into attention. From this time on his work was increasingly exhibited, received a number of prizes, and was acquired by the more daring contemporary collectors. For a time, he taught at the Art Students League.

Luks was a radical only in subject matter, not in style or technique. He was involved in the formation of the 1913 Armory Show, in which he was well represented. However, he was unable to understand or accept the genuinely radical European art, which was shown in America for the first time, and resigned from the society which had formed the show.

Luks, always lusty and belligerent, was apparently killed as the result of a tavern fight on Oct. 29, 1933, dying in New York on the streets which he had immortalized on many canvasses.


George Luks - History

Liberty Ships built by the United States Maritime Commission in World War II

"Liberty ship" was the name given to the EC2 type ship designed for "Emergency" construction by the United States Maritime Commission in World War II. Liberty ships were nicknamed "ugly ducklings" by President Franklin Delano Roosevelt.

The first of the 2,711 Liberty ships was the SS Patrick Henry , launched on Sept. 27, 1941, and built to a standardized, mass produced design. (2,710 ships were completed, as one burned at the dock.) The 250,000 parts were pre-fabricated throughout the country in 250-ton sections and welded together in about 70 days. One Liberty ship, the SS Robert E. Peary was built in four and a half days. A Liberty cost under $2,000,000.

The Liberty was 441 feet long and 56 feet wide. Her three-cylinder, reciprocating steam engine, fed by two oil-burning boilers produced 2,500 hp and a speed of 11 knots. Her 5 holds could carry over 9,000 tons of cargo, plus airplanes, tanks, and locomotives lashed to its deck. A Liberty could carry 2,840 jeeps, 440 tanks, or 230 million rounds of rifle ammunition.

Liberty ships were named after prominent (deceased) Americans, starting with Patrick Henry and the signers of the Declaration of Independence. 18 that were named for outstanding African-Americans.

Any group which raised $2 million dollars in War Bonds could suggest a name for a Liberty ship, thus, one is named for the founder of the 4-H movement in Kansas, the first Ukrainian immigrant to America, an organizer for the International Ladies Garment Union, and the woman who suggested the poppy as a symbol of American soldiers who died in World War I. The Francis J. O'Gara was named after a mariner who was presumed dead, but who in fact, was a Prisoner of War. He was the only person to visit a Liberty ship named in his honor.


Years later, Ira Glackens, son of Luks' Ashcan crony and barstool buddy William Glackens, revealed a much different version of the death on Swing Street.

In a 1957 biography of his father, Glackens said the mouthy artist was knocked cold in a barroom brawl. The illegal joint could hardly report a drunken row, so Luks — dead or nearly so — probably was carried to the spot where cops found him.

The lethal bar fight anecdote has been repeated as gospel in museum catalogs and art history books, though further details are lacking.

Whether it's true or not, Luks would love his epitaph: The million-dollar artist who went down swinging in a speakeasy scrap.


George Luks

Born in Williamsport, Pennsylvania, in 1866, George Luks attended the school of the Pennsylvania Academy of the Fine Arts in Philadelphia in 1884. He spent the following ten years in Düsseldorf, Paris, and London, and may have studied in various art academies in these cities. Upon his return to the United States, Luks worked for the art department of the Philadelphia Press in 1894 and the following year traveled to Cuba as an artist-correspondent for the Philadelphia Evening Bulletin. In 1896 he joined the staff of The New York World as an illustrator and cartoonist.

While at The World, Luks renewed an earlier friendship with William Glackens and Everett Shinn. Both illustrators were also committed to painting, and Glackens encouraged Luks to experiment with the medium. By 1904 Luks was accomplished enough to exhibit with his friends at the National Arts Club in New York. Four years later he joined seven other artists under the leadership of Robert Henri in forming a group that rebelled against the academic art establishment. Known as The Eight, an exhibition of their work became a progressive force in American art, revitalizing realist painting. Throughout his career, Luks sought out working class subjects for his art. He exhibited paintings and drawings of urban life and city dwellers in the Armory Show in 1913, which showcased modern art.

Luks continued to paint and exhibit and taught for several years at the Art Students League in New York. He founded his own school and painted alongside his students until his death in 1933.

[This is an excerpt from the interactive companion to the videodisc American Art from the National Gallery of Art.]


Life After &aposStar Wars&apos

In 2008, Lucas released the latest installment of his Indiana Jones series. He served as one of its writers and as a producer while Spielberg once again acted as director. Ford returned as the famed adventuring archaeologist in Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, and was joined by Cate Blanchett and Shia LaBeouf on this new challenge. The film proved one of the summer&aposs biggest hits.

&aposRed Tails&apos

Lucas served as the producer of a different type of action film in early 2012. Working for years, he was able to help bring the story of the famed African-American pilots known as the Tuskegee Airmen to the big screen in Red Tails. This World War II drama starred Cuba Gooding Jr., Terrence Howard, Nate Parker and David Oyelowo.

Red Tails may prove to be one of Lucas&aposs final epics, excluding a possible new Indiana Jones film. He announced that he was retiring from big blockbusters to explore smaller, more personal stories on the screen around this time. To that end, Lucas decided to sell his company, Lucasfilm, to the Walt Disney Company in October 2012. He received about 40 million shares of Disney stock as part of the deal. In return, Disney got the rights to the very lucrative Guerres des étoiles franchise, which the company continued with the release of the record-breaking Star Wars: The Force Awakens in December 2015.

The following year, Lucasfilm produced the first in its anthology series: Rogue One: A Star Wars Story, which starred Felicity Jones, Ben Mendelsohn and Diego Luna. In 2017, Lucas&apos friend and old collaborator, Ron Howard, was tapped to direct the subsequent film, Solo: A Star Wars Story, which premiered in May 2018.


Ashcan School Artworks

Willie Gee, an African-American boy of a tender age, is seated with an apple in hand and wearing rumpled clothing. The artist noted in his daybooks that Gee was the son of a woman who had been a slave in Virginia and had recently moved north. The nondescript, brushy background of browns and grays offers little commentary or details as to who Gee actually is and in its simplicity renders the young boy as quite humble. Henri's fluid brushwork, most noticeable on Gee's coat sleeve and white collar, is there to suggest the activity and movement one usually associates with young children. Traditionally the patrons of child portraiture were moneyed individuals who sought to celebrate their notable lineage or remember deceased children. There was no wealthy patron in this case, and Willie Gee was just a neighborhood child of the working class who appealed to the artist. Henri and his followers rarely ventured into New York's African-American neighborhoods, concentrating instead on the immigrant inhabitants of Lower Manhattan. Here, Henri breaks from the dominant stereotypes of African Americans then found in visual culture.

Oil on canvas - Newark Museum of Art, Newark, NJ

At Mouquin's (1905)

At Mouquin's remains Glackens' most celebrated and grand painting. In the foreground, the fashionable outerwear slung over the back of a chair leads our eye into the center of the painting where Glackens posed friends as elegant New Yorkers out on the town. The work's sophistication and psychological content in the woman's countenance prompted critics to compare Glackens to Édouard Manet. The clever use of mirrors to replicate and expand the special plane call to mind Manet's masterwork The Bar at the Folies Bergere (1881-82). While a young man in Paris, Glackens followed Henri's direction to seek out works by Manet. Here, Glackens turns his attention to new social spaces, such as this fancy restaurant, and new social relationships which reveal interior states (this was the era of Freud's initial publications on human psychology). We glance upon the woman's face, which is turned away from her jubilant partner and seems melancholy, if not weary, as she gazes off the canvas. As hers is the most forward visage in the composition, we connect most with this woman and her seeming isolation.

Oil on canvas - Art Institute of Chicago

Hester Street (1905)

In 1904, after a twenty-year extended sojourn away from his native country, famed novelist and essayist Henry James returned to his dramatically changed birthplace where he went and what he observed culminated in his collection of essays The American Scene (1907). Appalled by the arriving European masses, James was frightened that the "hodgepodge" of racial characteristics they brought to the United States would dilute the true meaning of being an American. James wholehearted supported the primacy of white Anglo-Saxon Protestants, and viewed the Jews, the Italians, and the Irish as racial others and outsiders.

In contrast to James, Luks delighted in this culturally diverse urban sprawl jam packed with humanity, found on New York's Lower East Side. By 1905, the downtown streets were crowded with substandard tenements and were home to the Eastern-European Jews who had arrived on these shores by the hundreds of thousands. Luks, a rough and tough character himself, wholly embraced the busy chaos of this spectacle. Luks's method was to make quick sketches onsite, which he would use as the basis of his painting. The artist applied paint with a fluid, rapid brush in order to capture the energy of the scene. Here, Luks brings us into the swell of the crowds, rather than maintain a distance, which allows viewers to viscerally experience the mass of humanity that populated the poor neighborhoods of New York. Further, while Luks isolates ethnic and racial types within this canvas (note the bearded Jewish men at left with side locks), he does not give into cheap ethnic stereotypes which were so common at the time. The modernity and newness of the image comes through in its innovative subject matter (most artists turned away from the immigrant classes as subjects) and the air of excitement Luks conveys.

Oil on canvas - The Brooklyn Museum of Art

Forty-Two Kids (1907)

Forty-two boys or "kids" swim in the dirty waters of New York City's East River to escape the stifling heat of ill-ventilated tenement apartments. Under the dark cover of night at the city's edge, the boys use a modified dog paddle as their stroke to push floating garbage out of their way. George Bellows's brushy, rough application of oil paint marked the boys' social class onto their bodies, which are nude and scrawny. The term "kid" was popularized by the cartoon Hogan's Alley, whose protagonist was "The Yellow Kid," a slum-dwelling hooligan.

Bellows's depiction of city boys diving off splintered piers and reveling in their freedom, coupled with his bravura, painterly style appalled several New York art critics. One caustically appraised Bellows's canvas, asserting that "most of the boys look more like maggots than humans." While many similarly derisive words denigrated poor immigrants, the boys themselves are clearly enjoying their escape from society's scrutiny. Bellows's work typifies the Ashcan School artists' interest in everyday subject matter, the urban poor, and the overall vitality of life.

Oil on canvas - National Gallery of Art, Washington, DC

Footlight Flirtation (1912)

New York, the modern city, was home to many new and spectacular forms of and venues for entertainment. Some were outdoors such as Coney Island's fantastical Dreamland and its illuminated Luna Park, while others were indoors, such as movie theaters and restaurants. Shinn seized on the spectacle of the theater and vaudeville as his signature subjects, including this canvas, which shows the influence of the French Impressionists, in particular Edgar Degas's ballet and opera scenes of Paris. Shinn places us, his viewing audience, in the second row of seats just behind three women topped off with fancy hats. This device of locating his own viewers within the painting's setting is indebted to both Degas and Mary Cassatt. In vaudeville, attending audiences were attracted by the promise of a fleeting interaction with the stage performers. The coquettish young lady on stage gazes directly into the eyes of an audience member as she daringly lifts her skirt to reveal her shapely legs, which was quite daring for its time!

Oil on canvas - Private Collection

Both Members of this Club (1909)

Bellows, known for his manly swagger and bravado, played semipro baseball before relocating to New York City to study painting with Robert Henri. A late-comer to the satellite of artists surrounding Henri, Bellows is frequently considered part of the Ashcan School due to his technique and subject matter. Here, Bellows has packed so much energy and life into this boxing match that one can almost experience viscerally the power of a gloved fist upon bloodied flesh. The vibrancy of color application and fluid brushwork recall the influence of the 17 th -century Dutch painter Franz Hals, whom Bellows greatly admired. Bellows affords us a ring-side view as we are situated as part of the gathered audience at this boxing match. While the name of the white boxer is unknown, the African-American boxer is Joe Gans, who would be the champion for eight years. Public boxing was illegal at sporting clubs due to its crass brutality, but memberships were granted for the duration of the boxers' bout in order to circumvent these restrictions. Hence the name of this work. Boxing was also highly racially charged as white America looked for its "Great White Hope" to conquer champion African-American Jack Johnson, the heavy weight champ. Bellows illuminates and distorts the faces of the spectators who surround the ring, openly mocking their elite status.

Oil on canvas - National Gallery of Art

McSorley's Bar (1912)

John Sloan's canvas McSorley's Bar is his visual commentary on male bonding, prohibition, drinking, and the working class. It typifies the Ashcan School's painterly style, depiction of the working class and immigrant communities (here, the Irish Americans), urban subject matter, and the Ashcan School's promotion of painting as a masculine enterprise. Sloan locates us, his audience, at tables just across from the bar depicted at center here in McSorley's Ale House established in 1854 and still operating today. Maintained as a male-only pub well into the late-20 th century, Sloan invites all viewers into this gendered, public drinking spot. Sloan informally arranges the men both standing and working at the bar in a frieze-like formation as the light enters from the right to illuminate their faces and gestures. There is a roughness to how Sloan, a prominent illustrator, has applied the oil paint, which evokes the authenticity of the scene.

Oil on canvas - Detroit Institute of Art

Cover: The Masses (1914)

John Sloan was an active socialist and began to work for The Masses, a magazine published in bohemian Greenwich Village, soon after it was founded in 1911. Sloan contributed illustrations which were powerfully drawn, politically radical, and forthright in their socialist critique of inequality. There is a marked distinction between Sloan's assertion of his politics in his graphic works and how he approached his paintings as acts of social observation, but without a revolutionary agenda. As the artist stated, "While I am a Socialist, I never allowed social propaganda into my paintings."

Sloan's cover illustration here commemorates the Ludlow Massacre, when Colorado National Guard troops and Colorado Fuel & Iron Company camp guards attacked striking miners and their families in Ludlow, Colorado, in April 1914. Here, a roughly drawn miner shoots back at the troops who have murdered his family. This same image served as the cover of the International Socialist Review. In contrast to his oil paintings, which celebrated working class life without a political agenda, here, Sloan directly addresses, perhaps encourages, the class struggle. As surely as the miner points his gun at John D. Rockefeller's henchmen and the National Guard, the artist places blame on such robber barons as Rockefeller for the deaths of the honest workers and their families.


George Luks - History

George Luks: The Watercolors Rediscovered

1866 August 13th, George Benjamin Luks is born to Emil Charles Luks and Bertha Amalia von Kraemer Luks in Williamsport. The Luks have four children, each of them talented in the arts. The eldest child, Anna, becomes a singer in Lillian Russel's company Leo excels as a violinist George works as an artist, and Will writes poetry, sings and composes. 1872 The Luks family moves from Williamsport, Pennsylvania, to Shenandoah, Pennsylvania, where they stay, except for two brief periods when they live in Pottsville, Pennsylvania, and Vineland, New Jersey. 1882 Begins a vaudeville act with his brother Will under the stage name of "Buzzey & Anstock" touring Pennsylvania and New Jersey. 1883 November, fire destroys the town of Shenandoah, prompting the Luks brothers to give up their act and return home to help their family. 1884 April, George enrolls at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts, staying only one month. 1889 October, Luks enrolls at the Staatliche, Kunstakademie, at the Düsseldorf Academy, where he studies for only a short time. c. 1890 Luks travels to Paris and London after his study in Düsseldorf. Enjoys the work of Rembrandt, van Steen, Hals, and Renoir. 1891 Luks returns to the United States. His illustrations appear in Puck and Truth , humor magazines. 1892 May, Luks returns to Europe. While there he visits the Prado in Madrid. There he enjoys the work of Velasquez and Goya. 1893 Luks returns to the United States. While returning he paints Ponta Delgada , one of his earliest examples of watercolor. 1894 Luks joins the staff of the Philadelphia Press as an illustrator. He moves into a one room flat with Everett Shinn at the corner of Eighth and Chestnut. Through their work at the Philadelphia Press Luks and Everett Shinn become acquainted with William Glackens, a fellow employee. Shinn then meets John Sloan through his next job at the Inquirer . Through Sloan, Luks and Shinn begin attending the informal Tuesday evening discussion group hosted by Robert Henri at his 806 Walnut Street studio. Henri's interest in the plight of the common man and America, in general, was also central to Luks work. 1894 - 95 Luks is associated with the "Philadelphia Five," which also includes: William Glackens, Everett Shinn, John Sloan, and Robert Henri. 1895 Luks leaves the Philadelphia Press to join the staff of the Philadelphia Evening Bulletin . In December of this year Luks leaves for Cuba. He serves as a war correspondent in Cuba for the Evening Bulletin . 1896 January - March, The Bulletin publishes thirty of Luks drawings of Cuba. March, Luks is reportedly fired from The Bulletin for drunkenness and for failure to submit work regularly. While in Cuba he does two watercolors, In Havana and Cuban Dancers . April, Luks moves to New York where he begins working for The New York World as an illustrator. In the fall, Luks begins to draw for the comic strip The Yellow Kid . He continues this strip until December 1897. 1899 Luks leaves The New York World to become the chief cartoonist for The Verdict . 1900 Exhibits a painting entitled Street Scene: East Side New York at the Pennsylvania Academy's Sixty-Ninth Annual Exhibition (Jan. 15 - Feb. 24). This is the first time he participates in a major exhibition. Luks receives his first significant recognition through a review of the exhibition written by R. Armstrong. 1901 Exhibits oil paintings at a group show in the Allan Gallery which was organized by Robert Henri and included Sloan, Glackens, Alfred Maurer and two others. c. 1902 Luks marries the first of his three wives, Lois, who bears his only child, a son, Kent. George and his son are to have no relationship after his subsequent divorce from Lois. c. 1902 - 03 Travels to Paris and England, leaving his pregnant wife in New York. They are later, legally separated. While in France he paints a series of wooden panels of Parisian scenes as well as On the Marne , which he sketches. In the late Teens, he does an impressionistic watercolor of the scene. Returns to America within the same year. 1902 Leaves the newspaper to devote his energy to painting. William Macbeth becomes Luk's dealer. His watercolor, Heckscher Building , has been dated to circa 1902. 1903 This is the first time Luks' work is included in a major New York show in the Society of American Artists Twenty-Fifth Anniversary Exhibition. Also exhibits at The Pennsylvania Academy's Seventy-Second Annual Exhibition (Jan. 19 - Feb. 28). 1904 George marries Emma Louise Noble, sister of a newspaper acquaintance. He returns to Paris for a brief trip. He also becomes a member of the Society of American Artists. Exhibits at the Art Institute of Chicago's Seventeenth Annual Exhibition of American Paintings & Sculpture (Oct. 20 - Nov. 27). Also exhibits with the core group of what would become "The Eight" at the National Arts Club in January. 1905 Exhibits at the Pennsylvania Academy's One Hundredth Anniversary Exhibition (Jan. 23 - March 4) and the Society of American Artists Twenty-Seventh Annual Exhibition. Exhibits at the Carnegie Institute's Tenth Annual Exhibition (Nov. 2, 1905 - Jan. 1, 1906). Paints his masterpiece, The Spielers , (Addison Gallery of American Art, Phillips Academy, Andover, Massachusetts). 1906 Joins a new graphics and watercolor group in controversy with the American Watercolor Society, which quickly disbanded without a show. Exhibits at the Modern Art Gallery with Henri, Glackens, Shinn, and Ernest Lawson. 1907 Exhibits at the New Orleans Art Association (Jan. 4 - 16). May, Luks' painting, "Man with Dyed Mustachios" is rejected by the National Academy of Design, despite Robert Henri's protest. This prompts Henri to withdraw from the Academy and to later form "The Eight." 1908 "The Eight," among other factors, is formed from the pre-existing "Philadelphia Five" with the addition of Maurice Prendergast, Arthur B. Davies, and Ernest Lawson. The group exhibits at Macbeth Gallery, (Feb. 3 - 15). They also have a travelling show entitled "Paintings by Eight American Artists Residing in New York & Boston" which begins at the Art Institute of Chicago (Sept. 8 - Oct. 7) and travels to the Toldeo Museum of Art (Oct.) to the Detroit Museum of Art (Dec.) to the Indianapolis Art Association (Jan. 6 - 29) Cincinnati Art Museum (Feb. 6 - 28) to the Carnegie Institute in Pittsburgh (March 5 - 31) Bridgeport, Ohio and ending in Newark in June of 1909. Exhibits in Pittsburgh at the Carnegie Institute's Twelfth Annual Exhibition (April 30 - June 30). Exhibits at the Corcoran's Second Biennial Exhibition of Oil Paintings by Contemporary American Artists (Dec. 8, 1908 - Jan. 12, 1909). Elected as an associate member of the National Academy of Design. 1909 In addition to the above-mentioned travelling exhibition, Luks exhibits in Buffalo at the Albright Art Gallery and in New York at Macbeth Gallery and with "The Eight" in Berlin. 1910 April, Luks has first one-man show at Macbeth Gallery. Despite urgings from his friends in "The Eight," Luks declines from exhibiting at the 1910 Independent Show to focus on his show at Macbeth's. 1911 Luks joins the American Watercolor Society, exhibiting Madonna of the Vegetables . Exhibits in Buffalo, Indianapolis, St. Louis, New Orleans, and at Rome's International Exposition. 1912 Exhibits in New York at the Folsom Gallery and with the National Association of Portrait Painters. 1913 Luks exhibits at the Armory Show in New York City and becomes a member of the Association of American Painters and Sculptors. He also moves to High Bridge, on the upper west side of Manhattan near the Hudson River, from his Greenwich Village apartment. This becomes a significant locale for his works executed during the 1910s and early 1920s. Luks exhibits at New York's Kraushaar Gallery. He would exhibit there regularly until 1924. Also began exhibiting at the New York Water Color Club's annual exhibitions continuing until 1917. Additional exhibits in Baltimore, Chicago, Rochester, and St. Louis. 1914 July, a group of Luks watercolors and drawings appear in Vanity Fair after having been exhibited in his one-man show at Kraushaar's Gallery. This is the first publication of his work in Vanity Fair , an association that would continue for the next twenty years. Exhibits at the New York Water Color Club's Twenty-Fifth Anniversary Exhibition with Philosopher . Also exhibits at Pennsylvania Academy, National Association of Portrait Painters, and the Corcoran. 1915 Exhibits at the Panama-Pacific International Exposition in San Francisco. Paints the watercolors Plucking Chickens , River Boats , Gossip , Playing Soldiers and Harlem River . 1916 Luks receives the Hudnut Watercolor Prize at the New York Water Color Club's Twenty-Seventh Annual Exhibition for his work, On The Marne . He is also awarded the William A. Clark Prize and an honorable mention both from the Corcoran Gallery in Washington, D.C. Also exhibits at the Pennsylvania Academy and the Art Institute of Chicago. Becomes a member of the Society of Independent Artists, of which his friends William Glackens and John Sloan are presidents. Luks is on the advisory board. Commences exhibiting at the Toledo Museum of Art's Annual Exhibitions of American Painters (1916 - 1923, 1926 - 27, 1932 - 33). 1917 Exhibits at the Pennsylvania Academy and the Art Institute of Chicago. Also has a one-man show at the Newark Museum. 1918 Luks wins the Temple Gold Medal at the Pennsylvania Academy exhibits at the Indianapolis Art Association and the Art Institute of Chicago. Exhibits at the Milwaukee Art Institute with Augustus Vincent Tack and John Sloan. In a one-man show at Kraushaar Gallery he exhibits sixteen watercolors and fourteen oils. He spends time that autumn in Connecticut with his friend, the sculptor of Mt. Rushmore, Gutzon Borglum. While there he executes a series of Czechoslovakian theme paintings inspired by his time spent with Czech emigrés who were also staying with Borglum. Luks also paints a series of French scenes taken from a sketchbook of renderings done in the early 1900s. Watercolors from this series include Verdun, France , Rue Royal , Night , On the Seine , Serene (Paris) and Cathedral . Other watercolors done during Luks' World War I period include: Art Student , Lamp Light , Harlem Bridge and High Bridge . 1919 Luks summers in Nova Scotia where he paints a series of oils and watercolors. Luks exhibits at the Corcoran, the Art Institute of Chicago, the Pennsylvania Academy (where he serves as a juror of painting) and exhibits in the first exhibition of the Society of American Painters, Sculptors, and Gravers at the Albright Art Gallery, Buffalo, New York. 1920 January, Luks exhibits his Nova Scotia work at the Kraushaar Gallery to good reviews. He wins the Logan Medal at the Art Institute of Chicago for his painting Otis Skinner . He begins teaching at the Art Students League in New York. 1921 Exhibits at the Pennsylvania Academy of Fine Arts One Hundred Sixteenth Annual Exhibition. Travels to the Schuylkill Coal Region of Pennsylvania where he will return in 1923, 1925, and in 1927. While visiting there he begins a series of watercolors. Also exhibits six of his watercolors at the Rochester Memorial Art Gallery in a show entitled Watercolors by Nine American Artists (Jan.). This show travels to the Toldeo Museum of Art and the Buffalo Fine Arts Academy (Albright Art Gallery) in the same year. Works exhibited: Euniskillers Lodge , The Runaway, Fifth Lake Carry , The Screecher , Guides in a Storm and Trout Fishing . 1922 Luks exhibits at the Art Institute of Chicago's Watercolor Exhibition ( Spring Street and The Candy Woman ) (April 15 - May 15). He becomes ill and enters a sanitarium after he separates from his second wife. He then goes to Boston where he stays with a former student, patron, and friend, Mrs. Q.A. Shaw McKean, formerly Margaret Sargeant. There he paints several oils and does another series of watercolors. He also does a series of watercolors inspired by his summer visit to Pond Cove, Maine. Across the Inlet and Maine Island are two such works. In October, He exhibits his Maine work at the Kraushaar Gallery. Exhibits Spring Street at the Pennsylvania Academy and The Cleveland Museum of Art's Second Annual Watercolor Exhibition (Nov. 15 - Dec. 15). 1923 In January Luks has a retrospective show of 39 of his works at the Kraushaar Gallery. Luks also exhibits at the Brooklyn Museum's watercolor exhibition (Nov. 19 - Dec 20th) showing: Mike Cummins and A Daughter of the Mines . Additionally, he exhibits at Saint Louis City Art Museum's International Watercolor Exhibition. Also shows at the Pennsylvania Academy and the Art Institute of Chicago. 1924 Luks' last year in association with the Kraushaar Gallery. He stops teaching at the Art Students League and exhibits at the Art Institute of Chicago. 1925 Opens the George Luks School of Painting in midtown Manhattan. He teaches at this school until his death in 1933 at which point John Sloan succeeds him. Luks has an exhibition of his "Anthracite" paintings, watercolors, and drawings at the Rehn Galleries. Rehn respresents him until his death. This group of work is based upon his experiences in the Anthracite coal mining region of northern Pennsylvania. His second marriage ends in divorce. Luks forfeits a sizeable block of his work to his ex-wife in the divorce settlement. Luks arranges a temporary studio this summer in his childhood hometown of Pottsville, Pennsylvania. Exhibits at the Pennsylvania Academy and the Art Institute of Chicago. Luks buys a farmhouse in Old Chatham, New York in the Berkshire Mountains for a summer home. He paints a series of watercolors there over the next several years. 1926 Luks wins the Logan Medal at the Art Institute of Chicago. Also participates in the Art Institute of Chicago's International Watercolor Exhibition ( The Miner and Market, Early Morning ). Exhibits at the Pennsylvania Academy and begins exhibiting annually at the Cleveland Museum of Art's annual watercolor exhibition (1926 - 1929). 1927 Luks marries Mercedes Carbonell, a Cuban woman many years his junior (aged twenty-eight). Luks wins the Gold Medal at the Locust Club exhibition in Philadelphia. He exhibits a series of Pennsylvania mining watercolors at the Rehn Galleries. Exhibits at the Pennsylvania Academy and the Art Institute of Chicago. 1928 Exhibits at the Pennsylvania Academy and the Corcoran. c. 1928 Luks executes a series of watercolors at the estate of his friend, Harrison Tweed, at Montauk, Long Island. 1929 Luks exhibits at the Fifth Biennial Watercolor Exhibition at the Brooklyn Museum (Jan. 21 - Feb. 18) showing: By the Pond , Hickman's Church , The Waterfall and Where the Coal Begins . He also exhibits The Waterfall at the the Pennsylvania Academy's Twenty-Seventh Annual Watercolor Exhibition. 1930 Exhibits at the the Pennsylvania Academy, the Corcoran, the Art Institute of Chicago and at the Seventeenth International Exhibition in Venice, Italy. c. 1930 Moved to Gramercy Park from High Bridge. 1931 Jan. 5 - 24th, Luks exhibits his oils and watercolors at Rehn Galleries, New York. Exhibits at the Twenty-Ninth Annual Watercolor Exhibition of the Pennsylvania Academy, showing three works: Corner Bridge , Schoolhouse and Village Church . He also exhibits at the Art Institute of Chicago. 1932 Luks takes a trip to Hadlyme, Connecticut, where he does the last series of watercolors before his death. Luks wins the William A. Clark Prize and the Corcoran Gold Medal in Washington. D.C.'s Corcoran Gallery. He exhibits at the Pennsylvania Academy's Annual Watercolor Exhibition, showing three works: Hotel Craryville , Old Quaker Meeting House and House in the Woods . He also exhibits at the Art Institute of Chicago. 1933 Exhibits at the Pennsylvania Academy's Thirty-First Annual Watercolor Exhibition, showing three works: The Annual Hamburg Fair , The Seven Sisters and Hadlyme Sunset . Exhibits at Cleveland Museum of Art's Tenth Annual Watercolor Exhibition. October 29, Luks is found dead on the streets of New York, a casualty of a speakeasy brawl. 1934 Memorial Exhibitions of the Work of George Benjamin Luks, Newark Museum, Vose Galleries and Rehn Gallery. 1942 Included in survey watercolor exhibition at the Whitney Museum. 1950 Estate sale of Luks paintings and drawings at Parke-Bernet Auction Galleries, New York. 1951 Sale of watercolors and oils given to Emma Luks Frankenberg in 1921 (ex-wife), Parke-Bernet Auction Galleries, New York. 1957 Exhibition of watercolors at The Rehn Gallery, New York. 1958 One-man show at Washington Irving Gallery, as part of the anniversary of "The Eight" show watercolors and drawings. 1961 One-man show at ACA American Heritage Gallery: oils and watercolors. 1965 One-man show at ACA American Heritage Gallery: sketchbooks. 1966 One-man show at Joan Peterson Gallery, Boston: oils and watercolors from Shaw-McKean Collection. 1967 Centennial Exhibit at Williamsport and Lock Haven, Pennsylvania: paintings and graphics represented in 200 Years of Watercolor Painting in America at The Metropolitan Museum of Art. Retrospective exhibit at ACA Galleries. 1968 One-man show at ACA Galleries. 1970 The Watercolors of George Luks: A Thesis in Art History , dissertation written by Ralph Clayes Talcott for the Pennsylvania State University. 1973 George Luks (1866 - 1933), Munson-Williams-Proctor Institute, Utica, New York. 1974 George Luks Watercolor Exhibition , Childs Gallery, Boston. 1987 George Luks: An American Artist , Sordoni Art Gallery, Wilkes College, Wilkes-Barre, Pennsylvania, May 3 - June 14, 1987. 1994 - 95 George Luks: Expressionist Master of Color-- The Watercolors Rediscovered , Canton Museum of Art (travels to Westmoreland Museum of Art, Greensburg, Pennsylvania and the Columbus Museum of Art, Ohio).

Search Resource Library for thousands of articles and essays on American art.

Copyright 2008 Traditional Fine Arts Organization, Inc. , an Arizona nonprofit corporation. Tous les droits sont réservés.


Voir la vidéo: Push Ash NONSTOP to 800 Trophies on Solo+ u0026 TOP GLOBAL